CLAVES PARA TRANSFORMAR TUS MEZCLAS

Es muy posible que te preguntes por qué tus mezclas, aún dominando los aspectos técnicos, no acaban de sonar todo lo dinámicas y atractivas que deseas. Es cierto que para que una mezcla suene realmente bien hemos de saber trabajar mínimamente los aspectos técnicos. No obstante, si en la misma olvidamos, el carácter creativo, va a ser muy difícil llevarla al siguiente nivel, desperdiciando así la posibilidad de crear mezclas creativas, vívidas y dinámicas.

Cómo conseguir este tipo de mezclas más creativas tiene mucho que ver con la incorporación de tres variables. Si bien dominar el aspecto técnico es fundamental, no es suficiente por sí mismo. La confianza, el domino del entorno de trabajo y la seguridad creativas se forjan con la constancia, pero, ¿Cómo ir abriendo camino en este sentido?

Los detalles, la capacidad de aportar profundidad, dinamismo y contraste conforman la llave mágica que permite ahondar realmente en el corazón de una mezcla. Saber decidir cuándo debemos actuar e implementar cualquiera de estas tres variables marca, sin duda, la diferencia entre mezclas correctas y mezclas excelentes.

ELEMENTOS INDISPENSABLES

  • CONTRASTE       ” Ofrece sorpresa y novedad desde la perspectiva de escucha del oyente “
  • DINAMISMO        ” Proporciona atractivo a lo largo del eje temporal -izquierda–derecha-“
  • PROFUNDIDAD   ” Define los planos y espacios del fondo -delante–atrás-“

¿POR QUÉ TUS MEZCLAS SIGUEN SIN SONAR ATRACTIVAS?

Hay una primera deducción que extraemos de trabajar el aspecto más creativo a través de estas tres variables:

Parece ser la única manera de rescatar de la linealidad y de la sensación de rigidez muchas mezclas que a nivel técnico, sí son correctas, pero que no logran hacer foco en la emoción principal de la canción.

No parece, además, que sin la incorporación de estos tres elementos los ingenieros puedan expresar así su propia visión personal.

Al obviar este aspecto creativo se está limitando de forma drástica el radio y la capacidad de acción. La imposibilidad pues de poder profundizar de una manera más genuina y creativa en la música, da como resultado mezclas algo impersonales.

Esta carencia se traduce en mezclas bastante monótonas y poco expresivas en cuanto a interpretación y movimiento se refiere.

BENEFICIOS DE IMPLEMENTAR EL ASPECTO CREATIVO

  • Mezclas vívidas y dinámicas vs mezclas lineales y rígidas
  • Capacidad de sorprender y entretener al oyente
  • Mezclas más ricas y completas con un eje de profundidad bien definido
  • Posibilidad de aplicar tu propia visión particular a través de la mezcla
  • Mezclas capaces de trasladar y expresar con precisión la emoción principal 

 

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HERRAMIENTAS Y MODOS DE TRABAJO

La forma en qué aplicamos estas tres variables puede ser muy diversa. No obstante, la capacidad de ir aprendiendo a decidir “cuándo” debemos actuar es la base para poder llegar a dominar el aspecto creativo de una mezcla.

Dicho lo cual, la “Automatización” es la reina de las herramientas a la hora de llevar a cabo este trabajo. Es un común denominador que nos sirve para imprimir contraste, dinamismo y profundidad.

Así mismo, sirve para controlar también la intensidad y el radio de acción a la hora de implementar estos tres elementos. No es que sea la única herramienta de la que nos hacemos valer, pero sí es la más importante y la más versátil.

De hecho, es la guinda del pastel que nos permite perfilar y precisar el grado de actuación de otras tantas herramientas

DESCUBRIENDO LA AUTOMATIZACIÓN

La automatización sirve de nexo de unión para imprimir:

  • Contraste: “Nos permite crear sorpresa en momentos determinados de la mezcla”
  • Dinamismo: “Aplicación de movimiento y energía, evitando el aburrimiento”
  • Profundidad: “Distribución de los planos de profundidad delante–atrás

Supone, además, un elemento de precisión para imprimir estos tres elementos a través de diferentes aplicaciones:

  • Modulación: Automatización de efectos de modulación -movimiento-
  • Reverbs: Automatización de envíos a Reverbs -profundidad-
  • Delays: Automatización parámetros Delay -efectos sincronizados a tempo-
  • Volumen: Automatización de volumen. -dinámica-
  • Filtros: Automatización de filtros, EQ -contraste-

En el siguiente vídeo se explica en detalle la importancia de la automatización en mezcla. Se muestra una gran variedad de atajos de teclado y la repercusión de los mismos a la hora de poder llegar a ser productivo y eficaz.

Además, verás ejemplos prácticos y las consignas más relevantes que debemos tener en cuenta para mantener un flujo de trabajo constante y creativo

MODOS DE TRABAJO EN MEZCLAS CREATIVAS

Existe, bajo mi experiencia, dos visiones que permiten ir clarificando y vislumbrando el camino a seguir para saber implementar estas tres variables en mezcla.

Una de estas perspectivas tiene en cuenta el elemento que vayamos a procesar únicamente en relación con el resto del contexto musical.

De igual manera a que nunca pensamos en procesar un elemento aislado escuchándolo en sólo –debido a que una mezcla por propia definición ya se ha de tener en cuenta como la combinación de varios o más elementos-, tendremos en este caso muy presentes las relaciones relativas del elemento a procesar con las del resto del contexto musical.

A esta visión más generalista, que nos permite tener una perspectiva más amplia y global del conjunto, la llamo Macro.

UNA VISIÓN ALGO MÁS DETALLISTA

En contraposición, existe un punto de vista más cercano e individual. Éste fija más su foco en el propio elemento sin tener tan en cuenta el resto de sonidos de la mezcla.

Esta visión más reducida, que llamo Micro, nos permite identificar “cuándo” debemos actuar sobre un elemento en concreto de la mezcla, para hacerlo más atractivo en mismo.

Es muy parecido a activar el solo del elemento que queremos procesar mientras de forma, algo borrosa, seguimos escuchando el resto del contexto musical.

Sin embargo, es importante advertir aquí que, aunque bajo esta visión Micro dejamos de reconocer ese contexto musical restante de forma nítida y clara, tampoco desaparece del todo.

Es fácil visualizar esta visión Micro si aplicamos un solo en el canal del elemento en cuestión mientras se disminuye el volumen del resto de canales diez o quince dbs

VISIÓN MACRO

Me gusta pensar en la mezcla como si se tratara de una narración en la que se van presentando distintos elementos; de tal forma, el oyente puede ir integrando y reconociendo los mismos con claridad.

Desde esta perspectiva, normalmente, siempre podremos dividir la canción en comienzo, nudo y desenlace. Puede ocurrir que no aparezcan en este orden y que incluso se repitan. Pero casi siempre podremos dividir una canción en estas tres subdivisiones.

La idea principal de la visión Macro reside en localizar “en qué momento” de esta presentación virtual se halla el elemento que queremos tratar.

Dependiendo de si el elemento o sección ha aparecido con anterioridad o no en relación a esta representación mental narrativa, obtendremos las claves para saber “cuándo” debemos o no aplicar contraste.

Si observamos dicho elemento en relación al resto del contexto musical -siguiendo la perspectiva de esta visión Macro– podremos ir desvelando además en “qué medida” y “hasta cuándo” debemos aplicar contraste.

No es lo mismo que un elemento acabe de presentarse en el escenario musical a que ya haya aparecido con anterioridad.

Evidentemente, vamos a tener más necesidad de aplicar contraste si el elemento o sección ya ha aparecido con anterioridad. El oyente ya habrá tenido la posibilidad de integrarlo en su totalidad sin dificultad

VISIÓN MICRO

La visión Micro fija la atención en el propio elemento o sección en concreto que debemos tratar. Es pues una visión más individual, no tiene tan en cuenta el contexto restante.

Es importante recalcar que el contexto musical -debido a que la mezcla por propia definición es una combinación de varios elementos- nunca desparece. Pero sí es cierto que desde esta perspectiva no nos interesa tanto como en la visión Macro anterior.

Es por ello, que suelo bajar el volumen del resto de elementos, excepto el que quiero procesar, unos diez o quince dbs. De esta manera el contexto musical aunque no invisible, sí aparece borroso y algo desenfocado.

Puedo así observar en detalle al propio elemento, para averiguar cada cuántos compases debo imprimir contraste a fin de que el mismo no aburra a lo largo de su presentación.

PROFUNDIDAD

Son muchas las mezclas que, aún dominando ciertos aspectos técnicos, obvian y carecen del importante plano de “profundidad”.

Ciertamente, saber trabajar este espacio “delante-atrás” proporciona a las mezclas un plus creativo indudable.

En este caso, la Reverb, aunque no es la única, ya que el Delay tiene mucho que decir en este aspecto, es quizás la herramienta principal.

La combinación de la automatización y la Reverb nos proporciona una de las opciones más interesantes a la hora de crear sentido de profundidad, ya que nos permite hacer aparecer elementos desde diagonales, más alejados, ir acercándolos…

CONFIGURACIONES DE EFECTOS

Si además tenemos en cuenta la integración del contraste junto con esta combinación, ya tenemos aquí una de las fórmulas más poderosas a la hora de presentar distintos y atractivos planos en una canción.

Dicho lo cual, también resulta interesante el uso de la Reverb como elemento integrador de conjunto.

Como efecto global, aunque no proporcione distintos planos, sí conforma un espacio común muy sugerente a la hora de homogeneizar e integrar todos los elementos de una mezcla.

No obstante, es cierto que el uso de la Reverb es algo delicado. Si no se tienen en cuenta ciertas premisas, la Reverb, más que ayudar puede emborronar y hacer algo densa la mezcla, empeorando a fin de cuentas el resultado final.

En el siguiente vídeo se muestra la técnica que llevo a cabo a diario en mis mezclas.

Ésta me permite ser todo lo musical, invisible o evidente que quiera, tanto con el uso de la Reverb como con el del Delay

DINAMISMO

Cuando trabajo el contraste o la profundidad tengo muy en cuenta la capacidad de “sorprender” en un caso y el espacio de “fondo” en el otro. Sin embargo, me gusta pensar sobretodo en el eje temporal de izquierda a derecha cuando aplico dinamismo a una mezcla.

Es decir, siempre pienso en el movimiento y la energía que se deben de dar a lo largo del transcurso de la presentación del elemento o sección en cuestión que quiero tratar. De este modo, el dinamismo aplicado más que sorprender, permite que el oyente no se aburra.

La diferencia clave de concepto que me permite identificar el contraste y el dinamismo como elementos autónomos y diferenciados, es el siguiente:

Si bien el contraste siempre sorprende, no asegura de ningún modo, que la mezcla en general no pueda aburrir.

Sin embargo, el dinamismo implica cierto movimiento y energía; siendo su objetivo principal dinamizar a lo largo del eje temporal un elemento o sección en particular, a fin de que la mezcla global no aburra

A la hora de imprimir dinamismo podemos, igualmente, hacer uso de cualquiera de nuestras dos visiones, Macro o Micro.

Además, podemos aplicarlo tanto a un elemento en concreto de la mezcla como a una sección.

No obstante, -y aquí reside la gran diferencia entre éste “el dinamismo” con respecto al “contraste”-, el resultado final de ambos difiere.

En un caso, -en el del dinamismo-, el objetivo principal intenta minimizar el aburrimiento o linealidad global de la propia canción, mientras que el contraste por el contrario, pretende crear un “cambio drástico y evidente” en un momento en concreto del discurso musical, por ejemplo, una “transición”.

CONSTRUYENDO EL PUZZLE

Teniendo en cuenta estas tres variables, así como los modos de trabajo descritos, podríamos establecer una rutina de trabajo creativa ya desde la composición, sí quisiéramos.

  • Aplicar, por ejemplo, distintos procesados, cada cierto número de compases, a un determinado elemento para que éste suene ya de por sí más atractivo en sí mismo.
  • Provocar contraste alternando entre arreglos sostenidos y otros de carácter más percutido.
  • O quizás ajustar una ecualización y un panorama diferentes entre dos guitarras desde la composición que ya las distinga notablemente, antes incluso, de llegar a la mezcla.

CONCEPTOS GLOBALES

Por otra parte, desde el punto de vista narrativo, vamos a poder establecer diferentes “estados de procesamiento” sobre las distintas secciones de una canción; desde el compás a estructuras más desarrolladas como estribillos o estrofas…

También es cierto que desde esta visión más descriptiva, deja de tener tanta importancia qué técnica utilizamos o cuál dejamos de utilizar a la hora de aplicar estas tres variables en mezcla -de hecho hay miles de técnicas que puedes copiar, inventar, adaptar…-

Sin embargo, la capacidad -mediante estas dos visiones Macro y Micro- de ir aprendiendo a tener criterio va adquiriendo una relevancia fundamental.

Lo más importante a la hora de establecer este trabajo creativo en una mezcla pasa por saber decidir cuándo aplicamos -contraste, profundidad o dinamismo-.

Una vez detectado el cuándo, ya obtenemos pistas para decidir en qué proporción y hasta cuándo debemos o queremos aplicar e introducir dichos elementos.

La importancia de la “automatización” en esta fase creativa, y su particular manera de intervenir a la hora de aplicar estos tres elementos e interrelacionarlos, no es baladí.

Nos exige, sí o sí, una revisión exhaustiva y precisa de todas sus funciones y atajos disponibles, a fin de adquirir un “workflow” de trabajo fluido y productivo. Ser eficaz forma parte de tener éxito en una mezcla. La automatización es, sin duda, la navaja suiza de las mezclas creativas.

Así mismo, una configuración de reverb o delay adecuada y un conocimiento previo de los inconvenientes que pueden surgen en su utilización, nos puede ahorrar mucho tiempo y esfuerzo.

Además, esta seguridad nos irá acercando a definir con precisión ese espacio de profundidad tan necesario y a veces, olvidado, en un gran número de mezclas

 

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CONCLUSIONES

Sin duda, el hecho de que establezcamos un cambio de mindset a la hora de empezar a pensar de otra manera -con esta perspectiva creativa en mente-, nos abre un mundo de posibilidades extra en nuestras mezclas.

Ya hemos visto como una mezcla, sin este elemento creativo, puede padecer síntomas de rigidez y linealidad, así como dificultades varias para expresar e imprimir movimiento.

Por otro lado, la carencia de este componente creativo nos revela mezclas “muy vulnerables” y que evidencian desventajas importantes. Es muy posible además, que estas mezclas corran el riesgo, entre otros, de aburrir y de no entretener al oyente final.

Suelen tener dificultad para poder expresar, con claridad, la emoción principal de la pieza

Dicho lo cual, la paradoja quizás más decepcionante, es que sin la aplicación de este ingrediente creativo estamos perdiendo la oportunidad de que muchos ingenieros de mezcla no puedan plasmar su propia visión, personal e intransferible, de cómo ven ellos la música.

Esta es la razón por la que muchas mezclas que cumplen los criterios técnicos, no acaban de emocionar.

Si quieres que de una vez por todas tus mezclas empiecen a sonar atractivas… implementando todo este aspecto creativo en ellas, te invito a descargar mi guía gratuita “Hacia la mezcla creativa” 

En ella se muestra, mediante ejemplos prácticos y un contexto previo de la situación, las herramientas, las consignas y los conceptos necesarios para llevar a a cabo este trabajo creativo en una mezcla.